Le Parc hoy; Bifurcaciones

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Victor Vasarely; el nacimiento del Op Art

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Del 7 de junio al 9 de septiembre, el Museo Nacional Thyssen-Bornemiszapresenta la exposición monográfica sobre Victor Vasarely (Paris, 1906 – 1997), padre del movimiento Op Art.

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Organizada con fondos del Museo Vasarely de Budapest, del Museo Victor Vasarely de Paris, y de la Fundación Vasarely de Aix-en-Provence y otros destacados préstamos de colecciones privadas, donde la muestra ofrece una visión global de la vida y obra del artista húngaro, quién realizó lo mejor de su producción en Francia.
En la exposición estarán representadas los principales trabajos de su evolución artística. De ésta manera, se podrá apreciar el papel fundamental de Vasarely en el desarrollo de la abstracción geométrica, y conocer sus principios y reflexiones teóricas, y sus experimentos para integrar el arte en la sociedad.

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Victor Vasarely es una de las figuras más destacadas del arte abstracto geométrico. Sus experimentos con estructuras espacialmente ambiguas y ópticamente dinámicas, y sus efectos en la percepción visual irrumpieron en el panorama artístico de mediados de la década de 1960, con la etiqueta de Op Art dando origen a una tendencia efímera, pero de extraordinaria popularidad.
La exposición está organizada en nueve secciones siguiendo un orden cronológico, en un primer espacio dedicado a las “Estructuras Vega”, una de sus series más conocidas y emblemáticas, realizada en la cumbre de su carrera y cuyo nombre deriva de la estrella que más brilla en las noches estivales del hemisferio norte.

1. Estructuras Vega

Inspirado por las noticias que se publicaban sobre misteriosas señales que llegaban de remotas galaxias,Vasarely tituló muchas de sus obras con nombres de estrellas y constelaciones.

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Éstos cuadros se basan en distorsiones cóncavo-convexas de una retícula, en una compleja combinación del cubo y la esfera que remite simbólicamente al movimiento en dos direcciones de la luz que emana de estrellas, al funcionamiento de las galaxias que han nacido por condensación de un universo que se expande.
El artista se dá cuenta de que las dos dimensiones pueden convertirse en tres, simplemente deformando la retícula básica según el grado de ampliación o reducción, y los elementos de la retícula pueden transformarse en rombos o elipses.

2. Periodo gráfico

Dotado de una capacidad para el dibujo, de 1929 a 1930 Vasarely estudia en la escuela Mühely de Budapest, dirigida por Sándor Bortnyik, pintor y diseñador gráfico conectado con la Bauhaus de Weimar.

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Allí se interesa por los problemas formales del arte geométrico y adopta como maestros espirituales a Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Kazimir Málevich, El Lissitzky y Lászlo Moholy-Nagy.
En éste primer periodo de su carrera, que se prolonga hasta 1939, sus imágenes todavía no son abstractas, pero las paradojas ópticas que generan sus retículas de líneas y cruces anuncian el ilusionismo espacial.

3. Estudios precinéticos y Naissances

En 1951, con motivo de una exposición en la Galerie Denise René de París, Vasarely se plantea por primera vez trasladar sus composiciones espaciales a una escala monumental.
Utilizando métodos de la fotografía, amplía sus dibujos a pluma y los coloca en series que cubren paredes enteras. A partir de éstos trabajos, el artista crea la serie “Naissances” (Nacimientos), que consiste en superponer los negativos de los dibujos para crear inquietantes y aleatorias configuraciones.

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En sus “Oeuvres profondes cinétiques” (Obras profundas cinéticas) emplea el mismo método con planchas de vidrio, acrílico o plástico transparente. Aprovechando las leyes físicas de refracción y reflexión, realiza una serie de collages en los que la interferencia mutua de los diseños abstractos, proyectados uno sobre otro, genera un movimiento constante que cobra vida cuándo el espectador cambia de posición.

4. Belle-Isle / Cristal / Denfert

En 1947, Vasarely pasa el verano en “Belle Îsle”, isla situada frente a la costa de Bretaña, donde descubre la geometría interna de la naturaleza. Recoge elementos de formas irregulares y piedras pulidas por el mar que luego pinta estilizando sus formas en elipses. Poco después, realiza una serie de delicados dibujos a pluma, que reproducen los meandros que observa en las grietas de los azulejos de la estación del metro parisiense de Denfert-Rochereau.

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A partir de ésos apuntes, que ponen de manifiesto una viva imaginación, pinta evocadores cuadros a base de colores muy unificados. En ésos mismos años inicia el periodo Crystal, que se inspira en la estricta geometría de las casas de piedra de Gordes, población medieval del sur de Francia, cuyas formas intenta trasladar al lienzo con ayuda de la axonometría.

5. Periodo Blanco y Negro (Arte cinético)

Inspirándose en la composición suprematista Blanco y negro de Kazimir Malévich (1915), que encarnaba la armonía de la espiritualidad y que se ha interpretado muchas veces como el «punto final» de la pintura, Vasarely realiza un Homenaje a Malévich.

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Su componente básico, un cuadrado que rota sobre su eje hasta parecer un rombo, sería el punto de partida de sus obras cinéticas.

6. Sistemas universales a partir de un alfabeto plástico.

En 1963, en una exposición en el Musée des Arts Décoratifs de París, Vasarely presenta los resultados de sus estudios sobre la Unidad plástica. Éste concepto se basa en la interacción de forma y color.

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El artista consideraba las formas-color como células o moléculas, a partir de las cuáles se construyó el universo: “La unidad de forma-color […] es a la plasticidad lo que la onda-partícula es a la naturaleza”, declaró.
En los cuadros basados en ésa asociación, aspiraba a que se percibiera una gramática del lenguaje visual, una serie de formas compositivas básicas que podían organizarse en un sistema similar al de la notación musical.

7. Algoritmos y permutaciones

Vasarely consideró por vez primera en 1953 la necesidad de que sus obras se multiplicaran y tuvieran una amplia difusión.
En el “Manifiesto amarillo” de 1955 resumió sus ideas sobre las posibilidades de recreación, multiplicación y expansión. Gracias a su multiplicabilidad y
permutabilidad, un conjunto básico de elementos podía transformarse, mediante un algoritmo, en un número infinito de composiciones distintas.

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Las programaciones con que se registraría ése proceso partirían de los colores, tonos y las formas que constituían cada imágen pudieran representarse numéricamente, e incluso guardarse en una computadora para recuperarlos cuándo se deseara. Aunque nunca había trabajado con la informática, de sus principios se deriva la posibilidad de crear imágenes con ésa tecnología. Tal como eran concebidas por el artista en el futuro, empleando códigos de color y forma que se definían mediante datos alfanuméricos, sus composiciones podían recrearse en cualquier momento, en cualquier lugar del mundo y por cualquier persona.

8. Folclore planetario

A principios de la década de 1960, Vasarely propuso el empleo de un lenguaje visual universal que denominó “Folclore planetario”, en que los colores y formas dispuestos regularmente y numerados al estilo de los productos industriales. Su intención era que el placer estético formara parte del entorno cotidiano. Como él mismo señaló, las obras de arte no pertenecían solo a los museos y galerías, sino que eran necesarias en todos los segmentos de la vida urbana. Su visión se basaba en las ideas de Le Corbusier y Fernand Léger, que proclamaban una síntesis de las diferentes disciplinas artísticas, consistía en que los componentes básicos de las ciudades del futuro fueran obras plásticas monumentales, producidas en serie y que se pudieran ampliar a cualquier tamaño, lo cuál ofrecería unas posibilidades de variación ilimitadas.

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La primera de sus integraciones arquitectónicas se llevó a cabo en Venezuela en 1954, en el campus de la Universidad Central de Caracas, vinieron después instalaciones plásticas monumentales en edificios de Bonn, Essen, París y Grenoble.

9. Múltiples

Una parte importante de la filosofía de Vasarely está relacionada con su negativa a distinguir entre obra de arte original y reproducción. Convencido de que las obras cobraban una nueva vida cuando se multiplicaban, consideraba a los “Múltiples” –objetos basados en el mismo prototipo y producidos en un proceso de fabricación, que el artista supervisaba hasta el más mínimo detalle en la forma de arte más democrática.

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Su objetivo era acabar con la elitista posesión de obras de arte únicas e irrepetibles.
El artista experimentó con los más variados materiales y procedimientos técnicos, desde los más modernos a los más antiguos, como los talleres de tejeduría de Aubusson, que seguían tradiciones que se remontaban a siglos atrás, y que fabricaron tapices basados en sus diseños.

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A Vasarely le gustaba especialmente la serigrafía, sus estampas firmadas y numeradas, se podían adquirir en el mercado, al igual que los Múltiples, integrados por láminas coloreadas a mano o reproducidas industrialmente y montadas en soportes de madera o metal.

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“Aldo Sessa” y sus archivos fotográficos de 60 años

“Estoy en permanente estado de emoción” confesó Aldo Sessa antes de la inauguración de la mayor retrospectiva de su obra fotográfica que ocupará la sala del segundo subsuelo del Museo de Arte Moderno.
Admirado dice “siempre estoy listo para tomar fotos: si cambia la luz, corrijo el diafragma y es mi trabajo apasionado por eso lo seguiré haciendo”, uno de los fotógrafos argentino más respetado por sus 40 libros y algo de 200 muestras que prueba la dedicación como oficio, y su talento para captar a través de su lente con su mirada personal, la estética fotográfica sumada a su creatividad.
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En el Moderno de arte se expondrá del 21 de marzo hasta el 27 de mayo de 2018, más de 600 fotografías inéditas de una selección de 800 mil imágenes que recorre seis décadas de un trabajo intenso, que permite abarcar a primera vista una trayectoria de 60 años, curada por la directora del museo Victoria Noorthoorn y su equipo que trabajaron durante cinco meses en la selección de fotos que Sessa tomó y archivó durante toda su vida.
                                      
En sus fotos se retrata la vida del país, paisajes, fotoperiodismo de los años 70, detrás del aura escondida entre las bambalinas del Teatro Colón y sus viajes por el mundo,Turquía, Israel, India, Inglaterra y Tailandia, los rincones secretos de NY, los reflejos inesperados de sus edificios, su arquitectura vertical, sus anónimos transeúntes, y habitantes tras sombras de vidrios opacos, y la velocidad vertiginosa demandante de una ciudad cosmopolita como N.Y, y también algunas figuras sobresalientes de la política, la cultura y espectáculo nacional, despiertan su creatividad.
  
  

 “Archivo Aldo Sessa 1958 – 2018” acerca la lupa a la mirada personal de infinitos recorridos, que entre otros permitirá asomarse a las imágenes de una Bs.As de la década del 50/60, para una búsqueda de momentos mágicos en el fotoperiodismo estudiados en el juego de la intimidad de la luz, un efecto estético. Su abanico fotográfico también se completa con manos, pies y cuerpo a cuerpo en el ballet que lleva a componer la escena que mejor se representa.
La abstracción también se presenta como fruto de un estudio obsesivo, como una flor solitaria, una hoja de papel, un huevo, tubos de acero, contrastes y brillos es parte de una belleza inusitada que emocionó su trabajo.
En su biografía se dice de una familia vinculada a la fotografía cuándo su abuelo fundó los laboratorios Alex en 1928. Nació en 1939 y a los 10 años comenzó a estudiar pintura con Marcelo De Ridder y profundizó su formación en las artes gráficas en la imprenta de su padre Luis Sessa, y a los 17 años realizó sus primeras fotos para el diario La Nación y la Gaceta de Tucumán.
           
En 1972 trabajó en la Galería Bonino organizando exposiciones individuales en Baires, Rio y N.Y y en 1976 con el apoyo de Guillermo Whitelow y Marta Grinberg realizó su primera muestra en el Museo de Arte Moderno en Bs.As que estaba en el Teatro SanMartín y le siguieron dos más en 1977/8. Cosmogonías fueron colaboraciones con escritores en 1976 que reúne poemas de Jorge Luis Borges y posteriormente otros proyectos con Manuel Mujica Láinez , Silvina Bullrich, Silvina Ocampo y Ray Bradbury.
Se destacan libros sobre el Teatro Colón, la Ciudad de Bs.As y recorridos por el país creando un archivo de imágenes  para conocer la geografía y cultura del país. Recibió premios y en 1991 fue nombrado Miembro Honorario de la Federación Argentina de Fotografía y Académico de Bellas Artes. En 2007 la Legislatura porteña lo declaró Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

Minujín y el exitoso adiós al Partenón de Libros


La artista, celebrada como una rockstar del arte efímero , empezó a repartir los ejemplares que conformaron su obra en Kassel.
En las Columnas de libros de la estructura con 10m de altura el público ya retira ejemplares al alcance de sus manos en el marco de la finalización de documenta 14.
En la muestra de Arte contemporáneo en Kassel nunca se olvidará de Marta Minujín, ya que la artista pop argentina tampoco se olvidará de Kassel. Y el próximo curador de documenta, cuya edición número 14 concluye el próximo fin de semana en la ciudad alemana, tendrá que superar, en cinco años, la novedad absoluta que convirtió al Partenón de los Libros en un suceso absoluto, entre los visitantes de la mayor exposición de vanguardias artísticas en Europa.

Este fin de semana comenzó la deconstrucción de la instalación de Minujín, con ella in situ, compuesta con 68.650 libros censurados o prohibidos en algún momento de la historia, en distintas partes del mundo.
Las imágenes de Minujín firmando autógrafos llegaron a la prensa alemana y el periódico de referencia de Kassel tituló éste domingo: “Muchas gracias, Marta Minujín”, en español. Y una enorme fotografía de la artista y su Partenón ilustra otra de las páginas.

Largas filas se formaron para participar en la monumental obra en Alemania, conmocionada por todo lo que ocurrió en éstos meses con su Partenón monumental de libros censurados, Minujín dijo: “Es mi obra más inmensa. Creo que no podré superarla. No sólo por la obra, sino por la plataforma que es documenta. Define el arte contemporáneo. Haber tenido este éxito en documenta 14 me llena de felicidad”.
Fuentes que la han acompañado en estos meses comentaron a éste diario que “Marta parece una Rolling griega. Como en su momento pagó en su obra “la deuda externa argentina con choclos”, en Grecia pagó la deuda con aceitunas a una doble de Angela Merkel, la canciller alemana.
Luego comenzó la recolección de libros que no fue fácil.
En Buenos Aires el gobierno la ayudó con contenedores que tenían su imágen para distinguirlos de los que recogen la basura. Aún así hubo que esclarecer a los donantes individuales que no se trataba de desprenderse de los libros que “pesaban” en su biblioteca personal, sino de “donar” títulos que en algún momento de la historia hubieran sido prohibidos o censurados.
Finalmente, con tenacidad y creatividad, Marta Minujin consiguió completar su Partenón con 68.000 libros que ahora circularán mundialmente en manos privadas como un testimonio que mucha gente podrá conocer de lo ocurrido.
“Mi intención es que cada uno se lleve un mensaje de paz, diversidad y grandeza conceptual. El Partenón va a desaparecer físicamente, pero va a permanecer en la memoria de quiénes donaron libros, de quiénes lo visitaron en Kassel y de quiénes siguieron el registro en las redes sociales”. Como siempre, Marta tiene claro cómo circula el arte en nuestro tiempo.
Susana Reinoso – Clarín

 

“Tres Pintores Generacionales”

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El Museo de Arte Tigre presentó una muestra que reunió a Antonio Berni,  Lino Eneas Spilinbergo y Ernesto Deira de colecionistas que destacaron sus colecciones como Neuman, médico y psiquiatra que comenzó a reunir las obras desde adolescente, al despertar su interés por el arte de sus antepasados europeos, pero su interés privilegió artistas argentinos que fueron sus pacientes y amigos que lo interesó para conocer la mente humana, más allá de su profesión que le permitió sumergirse en el inconsciente para poder develar sus símbolos, en donde no hay reglas ó si las hay, se permiten romperlas.  
 
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La obra de Anonio Berni privilegia entre la década del 40 y 50  de changuitos norteños, obreros de clases populares en sus pinturas, aguafuertes y dibujos.
Berni nació en Rosario en 1905 y en 1925 obtiene una beca para viajar a Europa para asistir en los talleres de André Lhote y Othon Friesz donde se relaciona con artistas argentinos que se encontraban en la Escuela de Paris junto a los surrealistas europeos.
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Partiendo de ésta premisas narrativas de críticas sociales destacando su continuidad temática registrando las villas miseria, le permitió experimentar nuevas modalidades con el grabado con la serie de Juanito Laguna.  Con Juanito denuncia la marginalidad y la pauperización de la gran ciudad y sus alrededores más humildes con sus padecimientos, la vida entre el río pescando y el basural como recurso de subsistencia, y en éste entorno urbano el personaje ficcional se relaciona con la pintura como estampa, a partir de explorar sus vivencias con la técnica del grabado como recurso inédito para trabajar la madera en ése momento.
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También Berni pone su impronta en trabajos de gran formato incorporando el collage con recortes de desecho de metal industrial, experimentando la técnica del xilocollage que remitía a la antigua xilografía con un planteo visual original, que en 1962 obtiene el Gran Premio al Grabado en la Bienal de Venecia. Ésta distinción significó una importante valoración de su obra por un artista argentino.
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Mientras Berni disfrutaba del suceso en Venecia  comenzó a delinear su nuevo personaje: Ramona Montiel, quién de inocente niña y costurera pasa a ejercer la prostitución, desde donde en 1963 concentra su mayor producción representando las distintas escenas de la vida de Ramona, como el striptease o Ramona en el diván junto a sus amantes, entre muchos amigos vinculados al poder económico.
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En sus trabajos el papel fue tomando más relieve  y mayor importancia al ir agregando diversos elementos como botones, encajes, monedas, llaves que fue adhiriendo a la base de madera con una factura detallada y preciosista con presencia en el relieve. Berni continuo explorando la serie gráfica que fue cobrando mayor protagonismo como recurso visual. Así las estampas de Juanito y Ramona ampliaron su presencia en el arte, como colecciones particulares é institucionales para el caso de Neuman y de más obras significativas.
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Cuándo vuelve a Argentina en 1930 trabaja collages surrealistas que expone en 1932 ante un turbulento contexto nacional, que suscita un vuelco hacia el realismo crítico al plasmar su preocupación sobre los sectores marginados. Fallece en Bs.As en 1981 a los 76 años.
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La colección Scheimberg, “arte para el pueblo” es una iniciativa de cooperación institucional que MAT desarrolla desde 2014, con el objetivo de difundir el patrimonio del arte argentino en colecciones públicas y privadas.
Simón Scheimberg nacido en Carlos Casares en 1894 hijo de inmigrantes rusos, fue abogado de convicciones libres para valer los derechos de los exilados del fascismo y la Guerra Civil española en Buenos Aires. Fue miembro de la comisión de Artes de la Sociedad Hebraica en la década del 40 y coleccionó obras en su mayoría de pequeño formato, dibujos y grabados y al no poseer fortuna consiguió reunir 155 obras entre argentinas y europeas, que le permitieron relacionarse con los artistas para su deleite personal incentivando su gusto por el arte.
 
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Según sus palabras hizo una donación expresando; “Mi mujer y yo pensamos que la obra de arte se crea para el pueblo y debe volver a ser patrimonio del mismo pueblo”. Un año después de su muerte en 1974 la familia concreta su donación al MNBA.
“Otros Pintores Generacionales”
 
El MAT exhibe un conjunto de los grupos inmigratorios que llegaron a la Argentina durante la mitad del siglo XX y entre ellos los españoles Luis Seoane, José Palmeiro y Manuel Colmeiro, como así otros de la Escuela de París con Bigatti, Forner, Spilimbergo, Pettoruti, Guttero y Basaldúa, y los de la Escuela italiana de La Boca con Lacamara, Victorica, Del Prete, Daneri y Diomede.
El rol del paisaje en ése momento se impone con artistas como Martín Malharro y Eduardo Sívori junto a Castagnino y Enrique Policastro que dan a la pintura un concepto de bohemia y modernidad.
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Lino Eneas Spilinbergo es creador de un estilo lúcido y creativo de sus retratos, figuras y paisajes y naturaleza muerta son una alegoría simbólica.  
Su pintura está regida por una paleta firme de claridad formal y estructura geométrica, entre el espacio y la forma en donde llega a cierto grado de despojamiento conceptual.  
          
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Los “fragmentos del conflicto” se plantean en la inequidad y la violencia descontrolada que son posteriores a la Segunda Guerra Mundial, y vuelve a manifestarse en los fines de la década del 50 hasta 1987. Así pareciera que el conflicto es parte de la naturaleza humana y animal, que se confunden por su ferocidad que se apodera de la razón. De ésta forma lo entendió y lo interpretó Ernesto Deira en los tiempos del militante y filósofo francés Jean Paul Sartre, donde pedía comprometerse con el presente por una conciencia humana como forma política, y éste compromiso debía reflejarse en su obra temática.
Desde los horrores del Holocausto que Deira pintó en “Otra Figuración” en 1961 hasta figuras desgarradas, amordazada en los años setenta fue el motivo de la violencia política y censura. 
  
 También tomó al arte universal con “Crucifixiones” y martirios como una denuncia en su propia obra con rasgos indefinidos y remarcados en negro que no le permitió escapar a su historia.
También le ocurrieron algunos avatares con la serie  “Identificaciones” expuesta en la Universidad de Chile en 1971, que debía seguir rumbo a La Habana que revelaban los acontecimientos mundiales más violentos que también estaban en Chile, cuándo en 1973 fue derrocado el gobierno de Salvador Allende. Así durante muchos años la serie denunciaba las atrocidades de procesos de descolonización y la invasión estadounidense a Vietnam, y la pobreza en el Tercer Mundo creyó destruida su obra por la dictadura, ante ello no era prudente reclamar.
 

 El conflicto bélico frente a las formas de expresión son de distintos niveles de la realidad de Deira al intentar entender a través del arte, lo que representa un compromiso con la sociedad en el cuál día a día enfrenta al artista en una tela ó papel blanco.

Ernesto Deira junto a Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Jorge de la Vega fueron los que fundaron “Otra Figuración” desde el Instituto Di Tella entre 1961 y 1965 al buscar una libertad expresiva de abstracción y romper los preconceptos de una sociedad convencional, para entrar en la contemporaneidad y reírse de los mitos atávicos nacionalistas realzando la crítica junto a la sátira, caracterizado por el grupo para un arte del siglo XX.
 
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Con los “fragmentos del conflicto”, Deira reúne la serie de dibujos entre 1960 y 1974 que fueron presentados en MNBA en una retrospectiva en 2006, y en 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile acompañó con ocho telas de la serie “Identificaciones”.

LUCIO FONTANA; en las colecciones públicas de la Argentina

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 Nacido en Varese, Italia en 1899 se dedicó a la pintura y la escultura de su formación en la Academia de Brera en Milán.
En la década del 30 estuvo en el movimiento abstracto lombardo y estudió sobre la abstracción en Paris durante la II Guerra Mundial. En 1946 elaboró el Manifiesto Blanco como declaración poética que luego concretaría en sus obras realizadas después de regresar a Italia en 1947. Hace proyectos nuevos que no es pintura ni escultura sino comienza a trabajar con formas, colores y sonidos del espacio a trvés de una técnica de perforación y corte vertical sobre la base utilizada. En 1968 llega a la Argentina y se radica en Rosario.
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Mucho se ha dicho en varias ocasiones que los argentinos somos muy europeos en el exilio en referencia ineludible a la inmigración que se cobijó en el país con un bagaje de potente influencia cultural en las artes. En primer lugar la tradición y el prestigio histórico por el viaje iniciático emprendido por varias generaciones de artistas que trabajaron sobre el arte más osado con las vanguardias estéticas como Emilio Pettoruti en su retorno a la Argentina.

La obra de Lucio Fontana después de su radicación en el país cuestiona la significación de la vanguardia a través de su inspiración europea al constituirse en la Argentina el Manifiesto Blanco que se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes y que el mismo escribiera en 1946, contraría a las vanguardias de ésa época y produce un cambio en la naturaleza humana.

La innovación se encamina hacia el movimiento y el espacio en una nueva dimensión y temporalidad al requerir romper y descartar el arte que surgió en el Renacimiento.
Es así que el nuevo arte hace un giro conceptual del racionalismo contemporáneo y al subconciente para abrir otro campo experimental que será promovida por la modernidad como arte integral.
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La exposición de Fontana comienza su trayectoria con las esculturas figurativas y continúa con conceptos de bidimensionalidad como propuesta expansiva, donde abunda la experimentación plástica del artista ítalo-argentino.
De su acervo de obras están distribuídas en varios museos como, el Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa” en Córdoba, Castagnino+macro de Rosario, Provincial “Rosa Galisteo de Rodriguez” en Santa Fé, Artes Plásticas “Eduardo Sívori” en capital federal y Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti” de La Plata entre otros.
La expo se expone en el Museo Nacional de Bellas Artes del 28 de abril hasta el 30 de julio en Av Libertador 1473 de martes a viernes de 11 a 20 hs, y sabádos y domingo de 10 a 20 hs.
http://www.bellasartes.gob.ar  T.E 5288 9900    Entrada gratuita

“El Bosco”, el iluminado enigmático de la creación

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En el 5º centenario de la muerte de Hyeronymus Bosch, “El Bosco” en conmemoración realizamos un viaje analítico y de interpretación íntimo a una de sus obra que describe su interpretación artística de inspiración bíblica con la creación del mundo en sus primeros días, y 6° día con el “Jardín del Edén” terminando con la expulsión y creando el “Infierno”, que muestran la vigencia que tiene en nuestro tiempo, con las premisas que el autor pintó a la élite monarcal en su época, alertó en su obra con “El Jardin de las Delicias”, tríptico en tabla de madera pintado al óleo, una técnica introducida y generalizada por los pintores denominados “primitivos flamencos” sobre el final de la era medieval en 1480.
La obra fue encargada por Enrique III de Nasau de la familia Orange de Holanda y posteriormente la hereda el hijo Rene Salun. Adquirida por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardada durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial, hoy se expone en el Museo del Prado desde 1936.
Profundamente religioso, “El Bosco” observa a la sociedad de su época el triunfo del pecado de la carne y de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y sobre ello ésta obra quiere advertir a los contemporáneos de las terribles consecuencias que pueden ocasionar sus actos impuros.

 

 

Muchas de sus obras de estilo gótico pueden inspirar a ser la primera propuesta del surrealismo que posteriormente haya sido influenciado por su simbolismo a Salvador Dalí en sus futuros trabajos surrealistas para su composición pictórica.
A través de innumerables obras de su trabajo enigmático cuándo muere en 1516 dejando una obra innegable para analizar con un gran sentido de reflexión.

 

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